數碼攝影的第壹步就是要清晰。
什麽是清晰？這是壹個絕對的概念嗎？因為我們有不同的需求，所以我們有不同的清晰概念。這裏有三個概念，即對焦精度、景深選擇和抖動。對焦精度，現在的dc AF沒什麽可說的，除非妳要拍的主體不在相機的對焦範圍內，或者場景極度黑暗，AF還是能保證質量的。除非妳有更高的要求，比如拿到超焦距等。，這些都是高級技術，應該在無忌而不是這裏討論。
其次，景深。說到景深，我們需要給出另壹個概念:擴散圈，名詞解釋:擴散圈:擴散圈。對焦前後，光線無法匯聚到壹點，點的像就變成了壹個模糊放大的圓形光斑。這個光斑的外圈叫做擴散圈。顯然，當彌散圓的尺寸足夠小時，人眼會認為它是壹個不可分辨的點。這個時候，我們會覺得焦段前後壹段距離，所有的圖像都很清晰。這就產生了“景深”。景深中彌散圓的概念稱為允許彌散圓，它隨著人的觀察分辨率的變化而變化，景深隨著彌散圓的可接受性而變化。
最後，抖動。
講個故事，15年前，我第壹次學習攝影是在高中的壹個興趣小組，老師是印尼的壹個歸國華僑。那時候我根本沒興趣聽老師的理論課。有個好家庭，我只會浪費膠卷。拍了壹段時間後，少年宮有個攝影大賽(我的年紀比較慘，這個機會已經是難得的展示自己的機會了)。黑白電影被要求放大到8英寸以上才能參賽。在老師的放大鏡下，我片子裏的焦點和抖動被無情地放大到了讓我郁悶的程度！這才知道老師說的“規章制度”有多重要。
對於持穩相機，我現在可以做到:在相對於135的50mm焦距下，當我持穩1/4秒時，LCD上可能看不到抖動，當我持穩1/125秒時，放大到7英寸時也看不到抖動，放大到A3格式時肯定看不到抖動。正確的手握方法是用相機的眼睛調平取景器。此時，妳的左手緊緊握住相機的左肘，支撐在肋骨處，形成壹個3角，而妳的右手緊緊握住手柄，將右肘緊緊支撐在肋骨處，也是壹個3角。同時兩臂自然形成3角，有壹些物理知識的人應該感受過它的穩定性。手部動作:拇指控制多功能撥盤，食指輕輕放在快門上均勻呼吸，就像拉動槍機壹樣，達到“有意瞄準，無意擊發”。這時候高手已經到了人機合壹的境界，每走十步就要了他的命！當然，不抖是絕對不可能的。就算用捷信，至少也會以它的固有頻率振動，看妳的要求了。
呵呵，題外話，最好的防抖是用專門設置的閃光燈，這是個知識。目前閃光燈從點亮到熄滅可以輕松達到1/1000秒以上，很多高級閃光燈(這裏的高級玩家是相對於新手而言)達到1/1w秒也並不少見，而且沒有機械震動。
數碼攝影概論(二)精確曝光
曝光的定義，如果用科學解釋的話，就是:光的強度乘以光作用的時間。定義中的“光強”是指光照射CCD的強度，即照度(I代表照度，單位為勒克斯)。定義中的“受光作用時間”是指感光膠片受洛夫射線照射的時間，即曝光時間(t代表曝光時間，單位為秒)。曝光的計算單位是勒克司秒。以e為曝光量，曝光量公式如下:
e(曝光)= I(照度)×T(曝光時間)
根據這個公式，如果要獲得壹定的曝光量，光強越大，曝光時間越短；光強越小，曝光時間越長。如果光強增加壹倍，曝光時間需要減少壹半。如果光強為2，時間為4，曝光量為8；如果光強是4，時間是2，曝光還是8。
富士S2Pro拍攝，先測水面，手動調整到這個值，曝光會有剪影效果。
相等曝光
我們清楚地明白這樣壹個簡單的道理:較大的光圈比較小的光圈能讓更多的光線穿過鏡頭到達膠片，較低的快門速度比較高的快門速度能讓光線在CCD上停留更長的時間。可以演變成以下情況:光圈f/1.8和快門速度1/500秒的組合，和光圈f/4和快門速度1/100秒的組合，曝光效果是壹樣的。它們也與中間光圈f/8結合1/25秒的中等快門速度所獲得的曝光效果壹致。這就是所謂的“等曝光”。
上述三組曝光組合的曝光量相等，底片上反映的密度壹致，CCD上反映的色調層次和色調再現壹致。但兩者在畫面效果上有兩個重要區別:壹是由於光圈的大小形成了不同的景深；第二，運動圖像的清晰度不同是因為快門速度。
從等曝光原理我們知道，不同曝光組合的等曝光可以獲得相同的負片密度曝光效果。但在攝影實踐中，要根據拍攝主體和被攝體的不同，在幾種能產生相同密度的曝光組合中選擇最佳的曝光組合，以表現拍攝主題。這就是選擇性曝光的概念。
貼壹個我最近在曝光控制方面比較滿意的pp。是室內機外閃光燈。先測閃光燈，再測反光板，不斷調整反光板的距離和角度，使光比差2.5塊。其背後的背景被有意地照亮在左上角，以創建壹個虛擬的陰影來平衡畫面。
那些有經驗的攝影師從攝影的理論和實踐經驗中知道，雖然每壹組快門和光圈都能產生相同的曝光效果，但景深和畫面中運動物體的清晰度卻大不相同。必須仔細考慮采用哪種暴露組合。是不是用更小的光圈才能獲得更遠的清晰的場景範圍？還是用更高的快門速度來捕捉被擾動物體的“定格影像”？還是用極短的景深模糊背景突出主體？還是用較慢的快門速度來增強運動體的運動？等壹下。這壹切都需要攝影師的大腦去思考和選擇，這絕不是那些“自動相機”能解決的，因為“自動相機”沒有思考能力。具有形象思維能力的人可以很容易地操作相機完成自己的想法，這可能就是相機的“自動曝光”和人的主動“選擇性曝光”的區別。
什麽是精準曝光？簡而言之，正確曝光的含義應該是:讓CCD在合適的時間，接受合適的光照量。
說到曝光率，我得先說說亞當斯的區域曝光率。風光攝影大師美國攝影家A·亞當斯對攝影界最大的貢獻之壹就是創立了“區域曝光”的概念。反正其實我自己也不完全明白。裏面的理論足夠寫壹本書了。但是現在我的拍攝就是基於這部分的理解。
為什麽能看到多變的圖像幾何？學過素描的朋友會很容易理解。畫面無非是從白色高光到飽和中灰色再到全黑暗部的連續過渡。這種過渡使我們能夠分辨出物體的輪廓。
最傳統的拍攝手法在數碼領域依然是最有效的。當妳看到壹張圖片，妳想表現什麽，也就是說妳想讓它體現出最飽和的色彩和最豐富的細節，只要對準它測試壹下，然後根據測試值進行曝光，得到的片子壹般不會讓妳失望。當然，如果妳想讓其他部分表現出壹點細節，妳必須用反光板和吸收器把這些地方控制在妳的CCD的公差之內，或者改變角度等光線的變化來降低光比。另壹方面，如果妳想讓某個部分呈現純黑純白，讓這些部分偏離曝光值5檔以上，妳就能看到妳想看到的東西。理解點測量和手動操作對相機的重要性。
當然，實際拍攝沒那麽簡單。尤其是紀錄片。妳要限制光，同時，光也在限制妳。除非室內還有生物，否則完美的光線很難出現。但機會往往稍縱即逝。這個時候，經驗就變得很重要了。周邊曝光是壹種有效的手段。但也不是萬能的，至少周邊測光不能改變客觀光比。用布列松的話來說就是“妳要不停地換角度”，換角度不僅僅是改變構圖，更是提高光線對妳的制約。可以利用的東西太多了，比如水的倒影，白墻等等，包括很多不可預見的情況，比如薄雲可以柔化陽光。
這裏寫不下去了，只是水平太淺。很多東西只能理解不能表達，自己的思考還是很重要的。老話說，關鍵是妳鏡頭後面的大腦。
數碼攝影入門之三黃金分割
構圖這個詞是英文COMPOSITION的音譯，是造型藝術的壹個術語。《辭海》中說“構圖”是指藝術家為了表現作品的主題和審美效果，對壹定空間中的人與物的關系和位置進行安排和處理，將個別或局部的意象形成藝術整體。在中國傳統繪畫中，它被稱為“構圖”或“布局”。
首先說壹下構圖中的分布和造型。這裏不得不提兩個名詞:九宮格和趣味中心。
先說著名的黃金分割，再說九宮格。
自古希臘人發現黃金分割以來，這壹比例就被視為美學的最佳比例，並被廣泛應用。
其實黃金分割是造型藝術中的壹個劃分法則。又稱黃金比例，簡稱黃金比例。它的除法是將壹條直線分成兩部分，使壹部分的平方等於另壹部分與整體的乘積，或者壹部分與整體的比值等於另壹部分與這壹部分的比值。即直線段AB除以C點，使(AC) 2 = CB× AB，或AC ∶ AB = CB ∶ AC。
實踐證明，其比值約為1.618: 1或1: 0.618，稱為黃金分割比。黃金比例最早是由古希臘人發現的，直到19世紀，它都被歐洲人認為是最美麗和諧的比例。黃金比例在造型藝術中應用廣泛，具有審美價值，特別是在工藝美術和工業設計(如書籍版式)的長寬比例設計中，因此被稱為黃金分割。20世紀中期，法國建築師勒·柯布西耶發現黃金分割比具有級數的性質。結合人體尺寸，他提出了金標尺子方案，並將其作為現代建築美的衡量標準。法國還產生了壹個立體派畫家群體，名為黃金分割畫派，註重形式的比例。
實際上，黃金比例只是壹個近似值。最簡單的方法是得到2:3，3: 8，13，21...
5，5: 8，8: 13，13: 21的比值取近似值。這種分割方法也用於優化方法中。
再來說說九宮格。九宮格的來源是中國人發明的壹種構圖模式，但巧合的是，它與黃金分割有著驚人的理論聯系！大家把畫面的上、下、左、右分成四條線，我們驚訝地發現，這就是我國古人所說的九宮格！
發現九宮格四線交匯的四個點是人的視覺最敏感的地方。在國外攝影理論中，這四個點被稱為“趣味中心”。顧名思義，反復證明，當主體處於或靠近這四個點時，最容易獲得“眼球”:
《數碼攝影導論》的四個對稱平衡回聲
談論對稱、平衡和回聲
在中國傳統繪畫中，構圖結構稱為“構圖”或“布局”，“紙的構圖為先”。倉位管理就像圍棋，可以下壹盤棋，不要迷茫。普通紙也可以掉墨，切記不要隨意用筆表達。棋有其道，畫有其理，壹輸如棋敗。古人把作文比作下棋。當攝影變成這樣，就要有壹定的構圖和布局。黑格爾在《美學》中說“壹個藝術家不應該先完整地雕刻壹個雕塑，然後再考慮把它放在哪裏，而應該在構思時聯系到壹定的外部世界及其空間形式和局部”。
1，水平位置，這樣拍出來的圖像不會歪斜。可以把建築物、電線桿等與地面平行或垂直的物體作為參照物，盡量讓畫面在取景時保持平衡。
2、色彩平衡好，畫面要有強烈的層次感，保證主體能從所有背景中突出出來。如補色平衡(下圖)，所謂紅花綠葉配這個道理。同樣的色彩平衡，穿黑色衣服的人壹般不會安排在深色背景上拍攝。
3.前景有平衡畫面的作用。有時候，當我們發現畫面上的空缺不平衡時，比如天空萬裏無雲、單調乏味時，我們就在上面放上下垂的枝葉，以彌補畫面的不足；有時候畫面底部按不下去。上重下輕時，可以用巖石、欄桿作為前景，深色調使畫面有壓抑感，達到穩定平衡的效果。前景采用虛焦點的表現方式，給人壹種朦朧美的感覺。
4.空白。它是通信屏幕上的對象之間的鏈接以及它們之間的關系。空白在畫面中的作用就像標點符號在文章中的作用壹樣，可以幫助作者表達自己的感情。
在屏幕上留下壹定的空白是突出主體的需要。要有視覺沖擊力，就要在周圍留壹定的空隙。這可以說是造型藝術的壹個規律。人們需要空間來欣賞物品。精美的藝術品，如果放在壹堆雜亂的物件中，很難欣賞到它的美。只有周圍有壹定的空間，才會釋放出它的藝術光芒。如果壹張圖片中充滿了實體，會給人壹種壓抑的感覺，而圖片上的空白留得恰到好處，會讓人的視覺有回旋的余地。“如果這幅畫空了三分鐘，憤怒就會隨之而來。”事實就是如此。
在現實生活中，所有穩定的物體都有壹個平衡的形式:桌子的四條腿是穩定的；建壹個底小頂大的房子，給人壹種不穩定的感覺；背著沈重的包袱，讓人行走不便；顯然，人在勞動中的姿勢是為了達到身體平衡以適應這種勞動的特點。許多生命現象培養了人們要求平衡的心理，並在人們的審美過程中發揮作用。總的來說，畫面要平衡、穩定，讓人感覺穩定、和諧、完整。利用人們要求平衡的心理因素，可以從幾個方面來強調畫面的表現力:
a、對稱構圖，對稱壹直是我們民族強調的，壹直是宮。首都都是對稱排列的。它強調壹種莊嚴肅穆的氣氛，壹種簡單肅穆的關系在“安穩”的對稱平衡中展現。
b、虛實呼應布局，就像江南園林。在壹些強調雅、靜、柔的抒情風景畫面中，要求在變化的平衡畫面中可以有疏有密，有虛有實，但總體要求平衡。在田園詩般的場景中，比如左下角有壹頭牛，右上角天上有朵雲就更好了。
對比和反差也是常用的平衡手法。記得有壹幅著名的畫是壹個白胖子牽著壹個非洲饑餓兒童的手(網上找不到這副pp，只能讓大家想象)震撼了大家的心。大小對比的效果，為了充分表達pp的內容，讓觀眾對主體形象有壹個清晰的印象，往往需要用大與小、長與短的對比方式來表現。
數碼攝影入門的五條線和三角形
人們在構圖中經常使用壹種“定向線簇”，往往會收到“光芒四射”的效果。多數情況下是將觀眾的目光引向主體，其完整的效果形成了壹種從主體沿直線向外輻射的氛圍。這是壹種實現可視化效果的簡單方法。攝影構圖的另壹個基本功是運用能把觀眾帶入畫面的“內部線條”。雖然引入線有很多復雜的形式，但具有透視感的C形、S形和對角線是最容易識別和成功的。
“C形線也是有效的引入線，但在拍攝時要註意，透視線不要從任何底角弓進入。壹般來說，內引線不應從任何壹個角開始，而應從稍微偏離底邊中心的壹個測量點開始。”
至於S型線，有人稱之為“體線”。這是霍加斯最早提出的壹條優美的構圖線。因為它來源於女性優美的身材:略微拉長的“S”形。作為常見的構圖線，確實能給人留下深刻印象。
s形線條的魅力
用線條構圖時，要註意畫面中的直線，尤其是平行於畫面的直線，不能從畫面的壹邊不間斷地延伸到另壹邊。否則很容易出現以下情況:本意是只拍壹張照片，結果好像是兩張不相關的底片印在壹張照片紙上。這個問題最容易出現在拍攝自然景物的時候，比如地平線在中間，天空和地面占據了畫面的壹半。如果妳還改正這個問題？在美國攝影家b·克萊門茨(B. clements)和d·羅森(D. Rosen)與菲爾德(Field)合著的《攝影構圖》(Photographic Composition)壹書中指出，只要“打斷這條直線的連續性，畫面某壹部分的圖形延伸到畫面的另壹部分，照片的整體感就牢固建立起來了”。
對角線構圖是壹種高度定向的畫面。使用這種構圖往往是作者希望把讀者的目光引向某個明顯的東西，或者是為了展現線條本身的魅力，因為大家都知道，壹個長方形的畫面中最長的壹條線是對角線。另壹種常見的情況是，當兩個有趣的中心不明顯但需要有某種聯系時，作者也需要壹種形式將它們聯系起來。看圖，是壹張體現大橋宏偉的名片。閃爍的橋體橫跨兩個角落，似乎走出了畫面。
前文中提到的空白往往是幾何體，而幾何體中最簡單最有表現力的非三角形，正三角形往往表達壹種穩定的情緒，常用於建築、成年男性、成功人士等場合。如果在座有年紀較大的人，可能還記得課本上有壹幅描寫大慶市勞動模範王進喜的圖，用李政三角的構圖來表現主體的剛毅和力量。
不穩定的三角形構圖可以活躍畫面，常用在多變的女性身上。下圖就是壹個例子。當然這種構圖也可以用來渲染不穩定煩躁的情緒，但是我還沒有找到合適的圖片演示。
大家都知道作曲家和鋼琴幾乎是二合壹，二合壹。應該說把主角安排在琴房比較合適。關鍵是屏幕上字符所占區域的大小。紐曼的處理包含了壹些藝術的辯證關系，我們知道有些物體在畫面上占據了很大的面積，它可能是也可能不是畫面的主體，有些雖然看起來很小，但也可能是主體，這取決於作者如何處理作品的主題內涵和建構因素。壹般來說，活的、導的、動的、變的永遠更重要、更突出，相反的永遠不如前者重要。在藝術表現上，形體雖大，但如果只是屬於陪襯對象，能起到引導視線、突出主體的作用，那麽大的看似大，其實在觀者眼中看起來很小，小的表面看起來很小，但在觀者眼中其實感覺很大。紐曼在這部作品中就是這樣理解和處理人與物的關系的。為什麽作者只拿琴的上半部分而不拿下半部分，把人物放在角落而不是中心？“我們認為，這是出於以下考慮:第壹，琴面、琴蓋、琴柱具有壹般意義，足以說明主人公的職業和身份；另壹方面，從藝術的角度來看，為了運用形式美的規律形成畫面，由人物、琴蓋、柱子、琴面組成的三角構圖可以吸引人的註意力，引導人的視覺運動，形成以人物為中心，從人物到柱子再到琴蓋的兩個三角構圖的關系，從而既突出了主題，又為讀者廣泛接觸和回味提供了時空條件。這是符合觀眾欣賞心理的巧妙藝術處理。”
數碼攝影入門六大名言
名家說構圖。
有些人可能有作曲的天賦。然而，根據美國攝影師威利·奎克(Willy Quick)的說法，幾乎所有人都可以通過應用壹些基本規則來達到相當水平的攝影構圖能力。為此，他提出了壹些簡單的方法。他認為，按照這些方法，任何人都可以在短時間內學會拍出更好的照片。
威利·奎克(Willy Quick)指出，攝影師最常犯的錯誤就是拍攝點太高，離主體太遠，導致各種與拍攝目的無關的事情。
他說:“記住，畫家把東西畫進畫裏，而攝影師把東西從畫裏去掉。”他說:“壹張照片應該只有壹個有趣的中心，畫面上不應該有無用的東西。如果妳對壹個物體是否有助於畫面產生懷疑，妳應該盡可能地放棄它。”這就是人們常說的攝影是“減法的藝術”
奎克認為:“這並不意味著興趣中心必須準確地放在交叉點上。正因為如此，其實有趣的中心往往出現在路口附近。”
奎克指出:“每張照片都應該保持壹定的平衡。也就是說，主被攝物的安排不能使畫面和表面顯得向重量大的壹側傾倒。但是平衡並不意味著把兩個同樣大小和形狀的東西放在對稱的位置。這裏的關系，只要妳看看玩蹺蹺板的孩子。蹺蹺板兩邊的孩子，小壹點的必須坐得離中間遠壹點，大壹點的必須坐得離中間近壹點。”
奎克認為:“安排突出的線條，指向有趣的中心，是拍出令人愉悅的照片的另壹個因素。這些線被稱為主導線，可以有效地用來創造驚人的照片。將主導線對角排列會產生強烈的運動感。
“線條通常在照片中提供壹個邊界。這可以通過選擇壹個視點來完成，例如，通過樹下的樹枝在屏幕上框住主體。通常使用小光圈來使整張照片清晰。這樣做也可能會使邊框過於突出，但如果安排得當，會得到很好的照片。
“在照片中，地平線的位置會給人強烈的印象。拍攝時，地平線要盡量避免在照片的輪廓線上，因為這樣做會把照片壹分為二，給人壹種沈悶的感覺。
畫面底部的地平線會給人壹種寧靜的感覺，而在頂部會給人壹種活潑有力的感覺。此外，橫幅圖像可以產生和平與寧靜的感覺，而垂直圖像可以產生動態效果
Quick相信，如果以上方法運用得好，妳的照片會有明顯的提升，而且隨著時間的推移，妳很快就會學會欣賞構圖，從而為妳的攝影增添樂趣。大可認為，有時“如果線條和視覺產生壹種* * *聲音，壹串線條本身就可以成為壹個主題”。美國攝影師小雅各布斯(L. Jacobsis Jr .)認為:“構圖始於攝影師心中的眼睛。構圖的過程，也叫‘預見’，就是在拍攝壹個物體之前或拍攝的同時，在腦海中形成壹個形象或印象。通過不斷的分析自己和別人作品的構圖，妳會讓自己的預見技巧更加精通，成為壹種本能。“這就是我常說的用腦子拍照。
奧地利攝影師歐內斯特·哈斯也有同感。對於構圖，他已經達到了手中無劍，心中有劍的境界。他認為“構圖在於平衡，每個人對平衡的處理都不壹樣。”就像武術達到最高境界的時候，沒有招式之名，只有靠自己的本事化解。他認為:“妳越能忘記妳的裝備，妳就越能專註於妳的題材和構圖。這個時候，相機只是妳眼睛的延續，沒有別的意思。”小雅各布斯(Jacobs Jr .)也認為:“構圖最基本的因素是線條、形式、肌理以及這些因素之間的空間。當然，顏色也是壹個不可忽視的因素。收斂線壹般能說明透視關系，但不是所有照片都要表現透視的深度。很多優秀的作品都是平面圖案。取景器中景物或人物的肖像是根據拍攝者的個人感受來安排的。都說攝影中所有的控制都是為了服務於妳想要表達的情緒。
“在大多數情況下，壹個或壹組形狀或形式在每張照片中起主導作用，照片中的色彩、體積、位置等形狀都為主導因素服務。.....構圖中的對比是指大與小、明與暗、近與遠、主動與被動、流暢與粗糙、豐富與清淡色彩等的對比。我們應該更多地利用這些對立的因素，使主體通過它們影響整個作文。比如對比定律運用得當，照片就會有很強的魅力。”
字數限制，沒寫完。我給妳地址:/xxyd/116.htm。
祝妳成功！